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CIRO FERNANDES e seu ÁLBUM 12 XILOGRAVURAS -  Ciro de Uiraúna

 Nertan Macedo 

Um dia, fui visitar mestre Noza no Juazeiro do Padre Cícero. A oficina do robusto velho talhador de madeira, mãos realentadoras do céu e penúria do sertão, modeladoras de santos e pobres dos confins de dentro, dessas gentes maceradas que nunca avistaram o mar-oceano na pancada litorânea e tripulavam nuvens e naus sonhadoras e místicas no azulado dos olhos do Senhor Bom Jesus e do Santo Patriarca, devassando pela via do entendimento e do coração os mais escuros espaços de reconditos arcanos, lobregos, soturnos páramos, além, muito além das estrelas do manto de Nossa Senhora... oficina era uma casinha quase tapera, com um minúsculo quarto assobradado, minicaos, onde se amontoavam beatas e cangaceiros do imaginário Noza.

 
"Maria", xilogravura de Ciro Fernandes, 1978.

Foi aí que conheci um pouco da intimidade da Idade Média, o medievo bafo, o hálito do antigamente, cheiro, solidão e rude humildade de oficinas que criaram, fabricaram, forneceram coisas a Dom Quixote e aos Doze Pares de França. E talvez a Carlos V e a Felipe do Escorial. 

Porquanto madeira, couro, ou cola exalam, em qualquer parte, ou sob qualquer manha de sol intenso, idêntico bafio, peculiar e pateticamente histórico. 

Lá encontrei, desconfiadas, mudas, andrajosas, duas rapariguinhas a quem mestre Noza transmitia segredos do seu oficio imaginário. Lembrei-me então e instintivamente de uma mulher que viveu há muitos anos uma certa Joana Imaginária que esculpia nos sertões de Santa Quitéria, norte do Ceará - e foi amada-amante de Antônio Conselheiro, quando ele ainda não era o Taumaturgo Taurocéfalo; e o futuro profeta de Canudos plantou no ventre dessa Joana um bastardo que se perdeu na memória, no espaço e no tempo.

 
"Fim de forró", xilogravura de Ciro Fernandes, 1978.

Ciro Fernandes, imaginário da xilogravura, talha na madeira crua imagens que vão ser imagens. Ele é neto de mestre Noza, sobrinho de tio Zuza e primo em primeiro grau esse paraibanozinho de Uiraúna - desse outro diabinho escopeteiro na complicada e fina arte das talhas impressoras, o moço pernambucano Jó Oliveira, corrido e letrado da Hungría à Bulgária, pátrias de ícones e desenhos de um só negrume ou de vetustas cores.

Todo artesão é apátrida na razão direta da percepção internacional. Quero dizer: se, como criador, alguém roça a fimbria da sensibilidade humana (só aparentemente) perde as suas fronteiras nacionais, provinciais e municipais para se projetar no "oco do mundo", para além de onde Judas perdeu as botas. Quero ainda dizer (lição já repetida tantas vezes): que esse alguém que cria além das suas raias territoriais mas bebe das águas da própria cacimba e pisa descalço o próprio chão - desenraiza-se tão-somente pela generosa beleza com que a todos os homens contempla e contenta, a todas as nações e reinos gratifica, no mesmo passo (o que não constitui paradoxo algum) em que mergulha cada vez mais profundamente suas raízes no país natal, cujas lindes podem perfeitamente não ultrapassar a porteira de um curral de fazenda de gado, ou a de um bangüé de fogo aceso ou morto.

Foi Faulkner quem disse, uma vez, que só o Espirito soprando sobre a Matéria pode construir o Homem.

"A onça", xilogravura de Ciro Fernandes, 1978.

Bem, o que me espanta e comove nestas gravuras de Ciro Fernandes é algo extremamente simples e tão raro em nosso tempo: sua autenticidade nordestina e quanta bifidez se tem ostentado nos dias atuais em nome da autenticidade!

Ah, mundo cão, velhaco, cosmopolita, povoado de ambíguos e fraudadores de linguagens, teorias, ideias e imagens escritas, faladas, televisionadas, solertemente elaboradas (vide escultura, arquitetura, pintura) para empulhar trouxas, idiotas e basbaques que se consideram altamente sofisticados e bizarros.

Este Ciro Fernandes, não. Dele, do Jó, do velho Noza, do saudoso Vitalino de Caruaru, do Severino de Tracunhaém, não me canso, não me enfado, não me enfastio, não me esgotarei nunca. Eles são puros, sinceros. Não se desenraizaram, também não se despojaram das suas raízes, não as socaram em provetas de laboratório, não as sacrificaram ao ridículo engajamento da temática, não renegaram sua nobreza simples, sua pobreza orgulhosa.

"São Jorge", xilogravura de Ciro Fernandes, 1978.

Condes, barões da sua arte. Castelões da sua alquimia e dos seus longevos mistérios plenos de liames telúricos. Recordam aqueles príncipes georgianos que o eram porque na Georgia para ser príncipe bastava ser proprietário de um rebanho de carneiros -piada que, certa vez, muito aborreceu a Princesa Gourieli, née Helena Rubinstein, bravia dama multinacional de cosméticos.

Tal qual Canudos, Ciro de Uiraúna não se rendeu. Não se rendeu, como tantos que capitulam por um prato de lentilhas, à migração brasileira, uma das nossas maiores desgraças intelectuais (ainda neste ano da graça de 1978). E não entregou a rapadura porque não tem sangue de barata e sabe nutrir sua alma da seiva de combate.

Reparem nas suas gravuras: são feitas do calcinado pó da terra quente nordestina. Da consistência dos seus pedrouços disseminados em meio à solidão ardente do sol, ou amaciados aos raios dos luares da noite. Seu mundo rendeiras, cangaceiros, meninos, bichos, lobisomens - vem do fundo da sua meninice mítica na Uiraúna paraibana. Seus personagens caminham ao lado do fantasma do tio Zuza que lhe transmitiu, pelo sangue, o ofício dos mestres das corporações medievais. Está aí a alma penada de Vitalino. A de Severino de Tracunhaém. De Lampião, do Conselheiro, do Padre Cícero, de Zé Lins do Rego, de Graciliano Ramos. Também a de Suassuna e sua princesia armorial.

"Moagem", xilogravura de Ciro Fernandes, 1978.

Ciro é isto: continuidade que vai da Paraíba à feira nordestina de São Cristóvão, em pleno Rio de Janeiro, hoje realizada no antigo bairro imperial onde morou Pedro Segundo.

Que dignidade de artista-gravador e quanta lealdade às fontes e origens da sua tosca vida sertaneja, hein Dona Perla Sigaud?!

Nertan Macedo (1929-1989)
Escritor e membro da Academia Cearense de Letras

Há alguns meses atrás, ao organizar as gravuras produzidas recentemente, percebi que anjos e penas haviam tomado o primeiro plano da minha imaginação. Essa constatação despertou minha curiosidade e, procurando o início desse processo - o como, onde e quando aquilo havia começado, identifiquei Um anjo para Vitor, gravura que fiz para meu filho caçula pouco depois que ele nasceu. A imagem vem da ideia comum de que cada ser humano tem seu anjo guardião. Então imaginei que, para proteger um bebê de colo, nada melhor que um outro anjo-menino de cabelos encaracolados e carinha de sapeca, apenas contemplando de mãos postas.

Patricia Pedrosa, gravadora contemporânea

Tempos depois, quando concorria a uma vaga para mestrado, me confundi com o horário e cheguei muito cedo no dia da prova oral. Então fui visitar meu Mestre Kazuo Iha, professor de litografia da EBA¹, que me ofereceu gentilmente uma pedra para desenhar para que o tempo de espera passasse mais rápido. Nesse dia gravei Um anjo para Mestre Antonio², motivada pelos estudos sobre o Colonial e o Barroco Brasileiro retomados para o concurso. Depois veio a litografia Asas de Menino, novamente inspirado em Vitor. Na sequência, a xilogravura “O Músico de Ataíde”³  e a litografia "A sombra", que registra o lado escuro de cada ser no sentido psicanalítico, como arquétipo, que nos lembra de que mesmo enquanto somos anjos, temos nosso lado sombrio.

Até então não havia percebido que os anjos tinham se tornado um tema recorrente, que dialogava com o Barroco Brasileiro, mas que o ultrapassava. A arte barroca no Brasil tem o emblema do trânsito entre a primitividade dos indígenas e a modernidade de uma nação que viria a ser, em estado de formação. A figura do anjo chega ao Brasil neste momento mas, como figuração ligada à espiritualidade humana, sobrevive a esse tempo e chega a nós. Me agrada esta figura intermediária entre o homem e o divino, muito presente na arte colonial e que alcança a contemporaneidade. Junto com o anjo, a pena foi tomando lugar no meu pensamento criativo e se tornou um elemento significativo (Poesia Alada). Simples e bela, símbolo de leveza e, no meu entender, também de desprendimento, que me remete a algo de que se despoja quando substituído por outro novo. Penso que a pena seja para o anjo, o mesmo que a pétala é para a flor.

PATRICIA PEDROSA: "Asas de menino", litografia colorida de 2015/2017.

A partir da consciência da presença dos anjos nessa fase do meu trabalho, esta série passou a tomar corpo. O trabalho mais recente é Fantasia Barroca, uma xilogravura colorida de 1,30 x 0,60 cm na qual uma anjo-guardião abre suas asas potentes sobre 4 anjos-meninos. Três desses anjinhos são  releituras livres que realizei a partir de obras dos mestres do barroco brasileiro: Mestre Valentim (4), Aleijadinho e Mestre Ataíde.  Da direita para a esquerda temos o anjo de Mestre Ataíde (Anjo 3), em seguida o anjo do Mestre Antônio/Aleijadinho (Anjo 2), depois o do Mestre Valentim (Anjo 1) e finalmente o meu anjo, o Anjo 0. Com o rosto em branco, como daqueles painéis vazados em parques de diversão para que encaixemos o rosto para fotos, o Anjo 0 é o lugar comum, pode ser cada um de nós. Nesta gravura, recortei a matriz para as figuras dos anjos-meninos, produzindo sub-matrizes para que recebessem cores na mesma entrada que a matriz principal, e para que fossem intercambiáveis.  As técnicas da gravura são muito antigas, sendo a xilogravura a mais antiga delas, entretanto, continua sendo uma linguagem em constante experimentação e renovação.  A madeira utilizada foi o fundo do berço do Vitor – um gravador não consegue descartar nenhuma madeira assim tão fácil! Apesar da escolha ter sido apenas em função do tamanho da chapa, sem um objetivo conceitual inicial, ao final deste texto, me dei conta de que até a matriz teve significado pertinente. Faço relações entre o berço e a matriz: o berço que acolhe a criança/ a matriz que acolhe a imagem; do berço sai a criança para seu crescimento/da matriz sai a imagem para a impressão; do fundo do berço-matriz sai a criança-anjo carregando consigo toda a potencialidade do vir a ser e das infinitas rotas de vôo possíveis /a madeira-matriz é o berço de todas as imagens que o artista queira criar. Quando lidamos com anjos, nada é por acaso.

Patricia Pedrosa

Petrópolis, 03 de novembro de 2020.

1-Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro.
2-Antônio Francisco Lisboa, escultor e arquiteto, mais conhecido como o Aleijadinho (Ouro Preto, c. 1730 – Ouro Preto, 1814).
3-Manuel da Costa Ataíde, pintor, conhecido como Mestre Ataíde (Mariana, 1762-1830).
4-Valentim da Fonseca e Silva, escultor, mais conhecido como Mestre Valentim (Serro, Minas Gerais, c. 1745 – Rio de Janeiro, 1813).

*Patricia Pedrosa é artista gravadora contemporânea, Professora de litogravura na Escola de Belas Artes da UFRJ, doutora em Artes Visuais e autora dos livros “Maria Bonomi com a gravura: do meio como fim ao meio como princípio” e “Oficina de litografia”.

Em suas anotações de viagens de barco pelos rios da Amazônia, Diô Viana vem captando paisagens e ambientes amazônicos.  O artista desenha, pinta, coleta e registra em seus bloquinhos, traços dos infinitos elementos naturais encontráveis na região. As notas, que não são ilustrações, ele nomeia “diários visuais”. Os esboços feitos e os materiais coletados são depois retrabalhados no ateliê, gerando pinturas, gravuras e técnicas mistas – aqui expostas.

Todo um bioma pulsa, em imagens e ritmos, nas obras que resultam das viagens.

O artista reproduz a pulsação da vida do bioma amazônico em locais distantes como o Rio de janeiro ou a França – onde também reside – movido por uma relação profunda, de raiz, com a região. Diô nasceu e cresceu no estado do Pará, e é possível perceber nas suas obras o respeito, a delicadeza e a intimidade com que  trata os elementos que transforma em imagens, e a desenvoltura com que relaciona o conjunto de signos e procedimentos que compõem seu repertório.

DIÔ VIANA: "Sem título", pintura a óleo sobre tela, 2020.

As obras não são representações, também não são puras abstrações. Situam-se num lugar intermediário, flutuam entre abstração e figuração. Há preferência por grafismos orgânicos. A pintura possui uma qualidade sensorial que favorece a imersão. Em meio ao conjunto de pinturas de maiores dimensões, tem-se  a sensação de ser tragada (o) pela força dos elementos, pelas cores, volumes e movimentos, que aproximam até mesmo os sons e aromas da floresta. Uma sensorialidade envolvente e sinestésica emerge dos azuis, das combinações com vermelhos e tons de terra, ocres, dos verdes meio submersos...

As imagens se constroem por sobreposição de camadas, transparências e concentrações matéricas – traços, linhas, pontilhados, manchas, pontos em forma de gota, espaços vazios, acúmulos de tinta. O processo resulta numa espécie de camouflage, que induz uma observação mais atenta, um olhar sutil, para mergulhar na obra e decifrar quais forças, seres e entes naturais se encontram presentes ali.

DIÔ VIANA: "Sem título", desenho sobre papel, 2019.

Observados à distância, alguns trabalhos remetem a mapas meteorológicos, fotografias aéreas de geografia dos continentes, imagens de satélite gravadas em vídeo do movimento dos oceanos, massas de chuva, ventos, tornados, nuvens e outros fenômenos aéreos da natureza. Já outras transmitem uma transparência aquática na qual flutuam formas mutantes que lembram pedras no fundo do rio, ou sombras de pedras que se projetam para o plano frontal.

Os rebatimentos das imagens criam uma condição de movimento contínuo e circular, e preenchem nossos sentidos com o eterno devir das águas onipresentes da região. Na evocação, seja das gotículas na atmosfera, da chuva, seja do curso de um rio, sente-se o mesmo ritmo.

Vislumbra-se uma poética das águas, por entre formas que se esvaem.

DIÔ VIANA: "Sem título", pintura a óleo sobre tela, 2021.

É notável o uso das cores e dos contrastes, por exemplo, entre o azul e o negro, ou o relevo dos vermelhos-terra, que nos faz sentir o barro. Em outros momentos sentimos as texturas, como se estivéssemos caminhando sobre folhas ou alisando um pelo de animal...

O negro carvão carrega o imaginário da abrasão. Impossível não associa-lo à frequente matança da vida no nascedouro, empreendida por homens cuja humanidade se demonstra improvável. Sina que coloca em risco um bioma frágil, populações indígenas, ribeirinhos, coletores de frutos e pescadores que habitam e guardam a floresta, espécies animais e vegetais, recursos hídricos e minerais, um manancial de vida e conhecimento ainda não revelado. Sina que a todos nós submete, enquanto habitantes do planeta.

A presença do carvão, físico e simbólico, nos alerta para um futuro cada vez mais presente. Nas terras calcinadas pelas queimadas e derrubadas das florestas, as águas não mais fluirão livremente.

  Fabiana Éboli Santos

Rio, março de 2022